少儿美术培训价格

发布时间：2017-07-27 17:32:11 已帮助：408人 来源：北京艾美雅艺术

　　艾美雅以的绘画与创作工艺，专业的施工团队，以雄厚渊博的艺术资源专为阁下制作出美仑美奂、惟妙惟肖的精品。
　　艾美雅手工绘制为主，墙壁画、油画、国画、手绘装饰画，所绘作品与周围环境溶为一体，可制作各种景色、人物、风景、山水、古建彩绘、卡通壁画等内容。容临摹与创作为一体，作品题材广泛、立意清晰、形式多样。
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　　美术课堂
　　光影素描作画步骤素描作画步骤
　　看黑白灰关系。是指就整个画面而言，根据静物整体固有颜色的深浅变化和光影的深浅变化，来确定大的深、灰、浅三个大的明暗色调区域的层次关系。这一点有利于控制好整个画面。此时要注意不要把黑白灰关系和亮灰暗三大面两个概念混淆。
　　三看光源。
　　在一张素描画面中，光源方向是统一的。一般是一个光源，但也都多个光源的，多个光源要分清主次关系，以一个光源为主，其他为次要光源。
　　经过以上观察，心中有了这些以后，脑子里再过一遍作画的步骤，那么到这里我们才可以开始提笔。
　　第二步 起稿：
　　①根据观察，从画幅上看这幅画适合横构图;从构图的样式上看属于复合三角形构图。用2B铅笔起稿，在纸上确定(如图2.)的两个三角形的基本位置，此时注意画面中左右视觉均衡，并确保上下位置也均衡，因此整体上要略靠上一点。建议同学们在起稿时，在纸面上画出台、立面的分割线，这样做的好处就是能够很清楚的看出物体在台面所放的位子，容易把空间拉出来。
　　②根据构图位置来确定每一个几何形体的基本轮廓形状。此时更注重的是形体给我们的形象感受，根据这种感性认识，来把形体的形象画准确，也就是画得像。同时还要注意各形体之间的大小比例关系，可以适当考虑远近的影响，例如较远的物体可以画的略小一点，会显得空间深远。(如图步骤1)。
　　③根据所画的基本图形来明确出每个形体的准确造型。此时要求同学们利用结构素描的知识，将形体的结构画准确，交代出结构的转折变化和形体的穿插关系(如图步骤2)。并且画出衬布的结构形和形体的明暗交界线和投影的形状，调整线的虚实变化(完成如图步骤3的样子)。很多同学在这个阶段懒省事，很多透视结构不去研究，只是大致画一下基本形就开始涂色调，最后发现形体不准确，却又难以改动。
　　什么叫国画?
　　从美术史的角度讲，民国前的都统称为古画。国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。汉族传统绘画形式是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上，这种画种被称为“中国画”，简称“国画”。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分工笔和写意。
　　中国画基本分为三大科：人物画、山水画、花鸟画。在技法上又可分为工笔画和写意画。工笔画中包括白描、淡彩、重彩和没骨工笔。写意画中包括兼工带写、小写意和大写意。
　　国画原来泛指中国绘画，是近代为区别明末传入的西画而出现的概念。较之西方绘画的造型方式和表现手法有明显的差异。它包括卷轴画、壁画、年画、版画等各种各样的门类;今作为中国的画种之一，指以中国独有的笔墨等工具材料按照长期形成的传统而创作的绘画品种。
　　中国画不是一个符合艺术分类学的科学概念，按工具材料的区别，可以称为水墨画或彩墨画，与油画、水彩画、版画、水粉画并列;按使用上的不同，中国画作品可分别列入壁画、连环画、年画、插图之中;按题材之异，可以分别列入人物画、风景画之内。但是它毕竟以悠久的历史和独树一帜的特点，集中代表了中国绘画传统及其在新时代的更新，是几千年的中国文化传统的具体体现，在世界美术领域中自成体系，是东方绘画系的重要组成部分。
　　国画在形式上主要有以下特征：a、构图布局自由。根据主题的需要，突破时空的限制，如：“清明上河图”、“长江万里图”等，构图都采用了散点透视，将远隔千里，时隔数日的内容集中表现在一个画面之中。b、以线造型为主，以点、面造型为辅。物象的型、质和形象是通过轻重、粗细不同的各种线的组合，以及大小虚实等不同的点、面配合下体现出来的。c、内容概括，主体突出。
　　中国画的造型观源于生活，在对物象进行提炼、取舍、加工过程中并不脱离人们的视觉经验，也不违背生活的逻辑，讲究通过艺术的经营将自然物象转化为用笔墨和线条表现的绘画形式符号。
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　　素描培训引领美术培训新风向
　　素描是绘画入门的基础，它能帮助我们提高整体而全面地观察世界，准确而客观地表现对象的能力，是促进初学者眼、脑、手高度协调一致而行之有效的方法。
　　在学习美术时，我们一般是从素描开始来进行真正的绘画的，因而素描可以说是现代绘画的入门基础了。素描在学习中步骤比较简单，而要画好素描却需要拥有很高的艺术认识，以及很高的技法造诣。因而画好了素描，在以后的各种绘画当中都能表现出非常扎实的基本功。
　　在素描阶段，学画者也需要认真练习，逐步掌握绘画的规律。在好的素描中，画面的立体感和空间感是会超过摄影作品的，这是因为素描在图形中加进了人的视觉因素，这些视觉因素包括学习素描时必需要掌握的透视变形和虚实变化。
　　素描是美考联考中分数比重很大的一部分内容。素描一般会涉及到静物、石膏像、人物头像、脑袋半身像、全身像、默写技巧等方面的考察。所以梦达教育素描培训机构老师在教学过程中把这些内容都当做重要考点来细讲。当然大多数美术培训班的学生在学习这部分内容时花费的精力也是相当大的，毕竟想学好素描，肯下功夫才是硬道理。
　　素描作为绘画基础是源于制作工具的简单性、灵活性和研究对象的单纯性与普遍性。素描的工具是最简单的造型工具，只有纸和笔。初级的素描训练是用铅笔完成的，这种工具使用灵活，便于修改，既可以表现微小的变化，又可以涂成大面积的灰色;既可以进行短时间的练习，又可以进行长期的作业，很适合初学者对素描造型方法的反复学习和把握。
　　另外，素描不但可以解决造型的基础问题和一般问题，还可以解决造型的应用和特殊问题。例如造型的变化与统一问题，整体结构问题，观察、操作方式问题，概括美化问题，情感表达问题等等。可以说，素描是一种工具简单、表现丰富的造型形式，它可以完成从初级到高级的造型学习任务。
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　　认识艺术的“三种偏执”
　　艺术史的危机主要因为西方从上世纪70年代以后，出现了各种各样的终结论。终结论就是一种危机。简单来说，危机就是乱象，或者说失去了标准。今天我们在书写艺术史时，没有办法用形式主义等过去的方法，因为所有过去的方法，包括人文主义、启蒙运动所开拓的东西全被颠覆、否定了，所以出现了艺术史的终结、绘画的终结、科学的终结等各种各样的终结论。
　　美国艺术期刊《十月》曾经有一个专辑，专门讨论当代艺术，哈尔·福斯特说当代艺术在今天就好像一盘散沙，没法用一个固定的标准，过去包括现在所运用的词汇、标准等都失去了效用。
　　关于中国当代艺术，怎么样评判艺术作品、艺术家呢?哪个艺术现象真正有价值，它的价值又到底在哪里?放在艺术史当中，到底站不站得住脚?我也经常听到这样的讨论。当代艺术会朝哪个方向发展，这是一个问题。
　　我总结概括了一下危机的来源。个人认为，有三个方面的问题，也就是根据二元对立出现的三种偏执，使我们目前在认识艺术时出现了危机。实际上，艺术永远不会有危机，艺术永远会发展，只要人类存在，艺术这个学科肯定会往前发展，它不存在危机。我们所说的危机主要是认识艺术时发生的危机，面临新的问题，我们没有办法去认识，这时候危机就出现了。
　　首先是人文主义相对于个人主义的偏执。人文主义是18世纪启蒙运动提出的，它不仅仅是西方的，同时也是普世的，是从中世纪神学中走出来的，强调人的主体性，人要自由、人要理性、人要征服外在世界等。到了后来，特别是上世纪70年代以后，人文主义受到了挑战，主要是认为它是形而上学的、抽象的人文主义，于是就要具体当下、个人经验。一旦走到这个地步，各说各话的时候，肯定艺术要走向观念，大家就要去探讨，去批评，去质询，去问这是不是艺术——其实过去不存在这个问题。
　　这是一个危机。从马克思主义理论的角度来说，资本主义的个人变得无个性，跟商品一样。而从民主自由派角度来看，个人主义就是至高无上的东西。但是我觉得，有没有可能不走到这两者的偏执状态，找到有一种相对比较中性的、能够对话的、能够平衡的一个东西?我觉得这是对我们提出的非常大的一个挑战。
　　其次是前与后的偏执，可以将它延伸为过去、传统与当下，或者过去、现在与未来等。关于这种前与后的偏执，我们可以看到，在西方，有前现代、现代、后现代，但没有办法再“后”了，所以出现了当代性。
　　关于前与后的问题，其实在18世纪以前并不是那么严重，不管在西方还是东方都是如此，甚至还有重古复古的观念，只不过中国在这方面更加严重一些。
　　最后是语言的偏执，主要体现在语词与图像的偏执。其实语词与图像的问题，比如福柯在划分两种断裂的时候，认为17、18世纪产生了一种断裂，20世纪又出现了一种断裂。他为什么分析委拉斯贵支的《宫娥》那幅画?就是因为视线在里面编织出一张网，体现了其背后的国王所控制的权力系统。他认为这张画最早体现了语词干预图像的倾向，语词介入图像。到了20世纪以后，他又觉得在马格利特这里，语词已经成为主导性力量，完全控制了图像。他所说的其实也符合西方现代以来的创作，但是问题在于，语词与图像是不是应该就是这样截然对立的，或者是不是应该像钟摆一样，最早是模仿，完全是图像、形象，后来一下子变成语词，语词和图像就像钟摆一样摇来摆去?

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